L'urlo Munch versioni: perché Munch lo dipinse più volte?

A volte un quadro entra in una stanza prima ancora di essere visto. Basta nominare L’urlo e appare subito quel volto senza età, la bocca spalancata, le mani alle orecchie, il cielo che sembra bruciare. È una delle immagini più riconoscibili della storia dell’arte, eppure nasce da qualcosa di fragile: una passeggiata, un attacco di angoscia, una memoria che Edvard Munch non riuscì a lasciare andare.

Guardare oggi quel motivo da Torino, nel contesto della Tokaido Gallery e attraverso il lavoro di Monica Nettis, significa spostare la domanda dal museo alla sensibilità contemporanea. Che cosa succede quando un’immagine diventa icona? E perché un artista sente il bisogno di tornare più volte sullo stesso gesto?

Nelle opere di Monica Nettis, il segno non è mai solo decorazione. È traccia, pressione, racconto emotivo. La galleria torinese, già nel nome, richiama una strada, un attraversamento, un percorso di visione. Dentro questo clima, Munch non appare come una citazione lontana, ma come un interlocutore vivo. Le sue figure tese, i suoi cieli instabili, la sua idea dell’arte come registrazione interiore parlano ancora a chi lavora oggi sul corpo, sulla memoria e sull’immagine.

Una galleria può diventare il luogo in cui un’icona storica torna a parlare al presente.

Tokaido Gallery a Torino e Monica Nettis aprono una strada verso Munch

Torino ha un modo particolare di accogliere l’arte. Non grida subito. Lascia sedimentare. Le sue gallerie spesso lavorano sul tempo lungo dello sguardo, sulla relazione tra opera e visitatore, tra storia e presente. In questo quadro, la Tokaido Gallery può essere letta come uno spazio di passaggio, dove le opere non restano chiuse nella loro cornice, ma chiedono di essere attraversate.

Monica Nettis si inserisce bene in questa prospettiva. La sua ricerca invita a osservare la superficie come un luogo vivo. Linee, forme e tensioni visive sembrano trattenere qualcosa che non si offre tutto in una volta. Si avverte un interesse per ciò che accade prima della parola: il fremito, l’urto, la vibrazione emotiva.

È qui che il dialogo con Munch diventa fertile. L’urlo non è solo il dipinto di un volto terrorizzato. È la traduzione visiva di un suono interiore. L’artista norvegese non dipinge una persona che urla, o almeno non soltanto. Dipinge un mondo che urla attraverso una persona.

Monica Nettis, come molti artisti contemporanei interessati alla forza del segno, lavora in un territorio dove l’immagine non descrive semplicemente il reale. Lo attraversa, lo ferisce, lo ricompone. Munch aveva aperto proprio questa via: non rappresentare ciò che l’occhio vede, ma ciò che il corpo sente.

La nascita di un’immagine che non voleva tacere

Edvard Munch raccontò l’origine de L’urlo in alcune note autobiografiche. Stava camminando con due amici lungo una strada, al tramonto. Il cielo diventò rosso sangue. L’artista si sentì stanco, si fermò, appoggiato a una ringhiera. Gli amici continuarono a camminare. Lui rimase lì, colpito da un senso di ansia profonda.

Da quell’esperienza nacque una frase ormai celebre, spesso riassunta così: Munch sentì un grande urlo attraversare la natura. Il punto è decisivo. L’urlo non esce soltanto dalla bocca della figura. È il paesaggio stesso a vibrare, a deformarsi, a diventare suono.

Il ponte taglia la composizione in diagonale. Le due figure sullo sfondo restano distanti, quasi indifferenti. Il protagonista, in primo piano, perde i tratti individuali. Non sappiamo se sia uomo o donna, giovane o vecchio. È un volto ridotto all’essenziale, simile a un teschio, a una maschera, a un’ombra.

Questa perdita di identità rende l’opera universale. Chi guarda può entrare nell’immagine senza chiedere permesso. Non serve conoscere la biografia di Munch per riconoscere quella paura.

La forza dell’opera nasce anche dalla sua appartenenza al grande ciclo del “Fregio della vita”, il progetto con cui Munch affrontò amore, gelosia, malattia, morte e angoscia. L’urlo non è quindi un episodio isolato. È una soglia, forse la più famosa, dentro un teatro emotivo più ampio.

Perché Munch ha dipinto L’urlo più volte?

La risposta più semplice è anche la più vera: Munch lo dipinse più volte perché quel motivo continuava a lavorare dentro di lui. Non era un’immagine risolta. Era una ferita visiva che chiedeva nuove forme.

Per Munch, ripetere non significava copiare. Significava variare, correggere, trasferire un’esperienza da una tecnica all’altra. Ogni versione de L’urlo modifica il tono dell’immagine. Cambiano i materiali, cambiano i colori, cambia la temperatura emotiva.

Nel linguaggio della storia dell’arte, L’urlo Munch versioni non indica una serie di duplicati, ma un nucleo creativo che l’artista ha ripreso più volte per misurarne la potenza. Munch stesso lavorava spesso per varianti. Tornava sugli stessi soggetti, li traduceva in pittura, pastello, grafica. Voleva che l’immagine circolasse, ma anche che restasse viva.

C’è poi un altro aspetto. Alla fine dell’Ottocento, il mercato dell’arte e la diffusione delle immagini stavano cambiando. La grafica permetteva a un’opera di uscire dallo studio e raggiungere più persone. La litografia del 1895 rese L’urlo un’immagine riproducibile, non nel senso banale del poster, ma come opera autonoma, pensata nella materia dell’inchiostro e della carta.

Le versioni principali sono quattro, a cui si aggiunge la produzione grafica.

Data	Tecnica e supporto	Collocazione o storia
1893	Tempera, olio e pastello su cartone	National Museum, Oslo. È la versione rubata nel 1994 e poi recuperata.
1893	Pastello su cartone	Munch Museum, Oslo. Una versione più fragile e immediata nel segno.
1895	Pastello su cartone	Versione proveniente da collezione privata, venduta all’asta nel 2012.
1895	Litografia	Munch realizza una versione grafica in bianco e nero, con alcune prove colorate a mano.
1910 circa	Tempera su cartone	Munch Museum, Oslo. È la versione rubata nel 2004 insieme a Madonna e recuperata nel 2006.

La prima versione del 1893 resta la più nota in ambito museale. L’uso combinato di tempera, olio e pastello su cartone dà all’immagine una qualità instabile. Non ha la compattezza solenne di un grande olio su tela. Sembra più nervosa, più vicina a un appunto urgente.

La versione a pastello del 1895 ha un’altra intensità. Il colore vibra in modo secco, quasi polveroso. La materia del pastello permette a Munch di spingere ancora di più sul contrasto tra il cielo rosso-arancio e le linee curve del paesaggio.

La litografia, invece, elimina il colore e dimostra che l’immagine funziona anche come struttura pura. Bastano il ponte, la curva del corpo, la bocca spalancata, le mani premute. Senza il cielo rosso, L’urlo resta L’urlo. Questo spiega molto della sua forza.

La ripetizione, per Munch, era un modo per cambiare voce alla stessa immagine.

Il cielo rosso, il Krakatoa e il colore dell’angoscia

Uno degli elementi più memorabili de L’urlo è il cielo. Non è un tramonto realistico. È una massa ondulata, rossa, arancione, gialla, quasi incendiaria. Sembra muoversi sopra la testa della figura come un’onda sonora.

Da anni si discute una teoria affascinante: quel cielo potrebbe essere legato all’eruzione del Krakatoa del 1883. L’esplosione del vulcano, nell’attuale Indonesia, fu così potente da immettere nell’atmosfera enormi quantità di polveri e particelle. Nei mesi e negli anni successivi furono osservati tramonti eccezionalmente rossi in molte parti del mondo, anche in Europa.

Munch dipinge L’urlo nel 1893, dieci anni dopo l’eruzione. La distanza temporale invita alla cautela. Non possiamo dire con certezza che l’artista abbia dipinto un tramonto causato dal Krakatoa. La teoria resta suggestiva, non una prova definitiva.

Alcuni studiosi hanno proposto anche l’ipotesi delle nubi madreperlacee, fenomeni atmosferici visibili a latitudini nordiche, capaci di creare cieli intensi e innaturali. In ogni caso, la questione non riduce il valore dell’opera a una curiosità meteorologica.

Il cielo di Munch funziona perché sta tra realtà e psiche. Può nascere da un fenomeno naturale, da un ricordo, da una crisi nervosa, o da tutte queste cose insieme. Il rosso non descrive soltanto la luce del tramonto. Descrive l’allarme.

Qui il confronto con la sensibilità contemporanea torna utile. In una galleria come Tokaido, davanti alle opere di Monica Nettis, si comprende quanto il colore possa diventare racconto emotivo senza bisogno di spiegare tutto. Un rosso può essere ferita, energia, memoria, calore, minaccia. Dipende da come occupa lo spazio.

Munch lo sapeva bene. Per questo il cielo non resta sullo sfondo. Invade la scena. Entra nella figura. Sembra quasi produrre l’urlo, invece di accompagnarlo.

I furti del 1994 e del 2004 hanno trasformato L’urlo in cronaca mondiale

La storia de L’urlo non appartiene solo ai manuali. È anche una storia di furti clamorosi, recuperi, ferite materiali.

Il primo episodio avvenne il 12 febbraio 1994, giorno di apertura dei Giochi olimpici invernali di Lillehammer. La versione del 1893 conservata alla National Gallery di Oslo fu rubata in pochi minuti. I ladri lasciarono anche un messaggio ironico, ringraziando per la scarsa sicurezza. L’opera fu recuperata il 7 maggio dello stesso anno, senza danni gravi.

Quel furto rese ancora più evidente lo statuto mediatico del quadro. Non era solo un capolavoro norvegese. Era un’immagine che il mondo intero riconosceva abbastanza da capire subito la gravità della perdita.

Dieci anni dopo, il 22 agosto 2004, un altro colpo scosse Oslo. Due uomini armati entrarono nel Munch Museum e portarono via la versione del 1910 circa de L’urlo insieme a Madonna, un’altra opera fondamentale di Munch. Le immagini della rapina fecero il giro del mondo.

Le due opere furono recuperate nel 2006. Non erano però intatte. La versione de L’urlo aveva subito danni, tra cui segni di umidità e abrasioni. Il restauro riuscì a salvarla, ma alcune tracce restano parte della sua storia materiale.

Questi furti hanno aggiunto un livello quasi paradossale al dipinto. Un’opera nata dall’angoscia è diventata oggetto di un’angoscia pubblica. Il suo volto spaventato ha accompagnato titoli di giornale, indagini di polizia, conferenze stampa, restauri. L’icona è uscita dalla cornice ancora una volta, non per scelta dell’artista, ma per violenza della cronaca.

Che cosa rende L’urlo così riconoscibile?

La riconoscibilità de L’urlo dipende da una combinazione rara di semplicità e tensione.

La figura centrale è costruita con pochi elementi:

• la testa ovale, quasi senza capelli;

• gli occhi vuoti;

• la bocca aperta in forma di buco;

• le mani ai lati del volto;

• il corpo ridotto a una linea ondulata.

  
  

Questi elementi funzionano come un segno grafico. Anche se l’immagine viene citata, ridotta, deformata o trasformata in una vignetta, resta riconoscibile. È successo in manifesti, fumetti, cinema, oggetti pop, meme digitali. L’opera resiste perché la sua struttura è fortissima.

Ma la semplicità non basta. Ci sono immagini semplici che si dimenticano in un istante. L’urlo resta perché mette in scena una condizione umana immediata: il panico di sentirsi soli dentro un mondo troppo intenso.

Il ponte è essenziale. Crea una prospettiva che corre verso il fondo, ma la figura non segue quella direzione. È bloccata. Gli amici continuano a camminare, lei resta ferma. Questa piccola distanza narrativa basta a generare un dramma. La solitudine non viene dichiarata, viene mostrata.

Anche le linee contano. Il ponte è rigido, fatto di diagonali. Il paesaggio è curvo, fluido, quasi liquido. La figura appartiene al secondo mondo, non al primo. Il corpo umano si curva con il cielo, con il fiordo, con il suono. La natura e la psiche parlano la stessa lingua.

È qui che Munch anticipa molta arte del Novecento. L’immagine non deve essere bella in senso classico. Deve essere necessaria. Deve arrivare prima del giudizio.

Monica Nettis e l’eredità dell’urlo nel presente

Accostare Monica Nettis a Munch non significa dire che le sue opere imitino L’urlo. Il punto è più sottile. Significa riconoscere una continuità nel modo in cui l’arte può dare forma a ciò che non ha forma.

Nettis lavora sullo spazio dell’opera come su un luogo di emersione. Il segno può evocare presenza, frattura, movimento. La materia visiva non chiude il discorso, lo apre. In questo senso, il tema dell’urlo diventa attuale senza bisogno di riprodurre la bocca spalancata di Munch.

Ogni epoca ha le proprie immagini dell’inquietudine. Munch trovò la sua in una figura su un ponte, sotto un cielo rosso. Un’artista contemporanea può cercarla in un ritmo, in una sovrapposizione, in un corpo accennato, in una linea che sembra trattenere una tensione.

La Tokaido Gallery, in questo racconto, diventa più di uno spazio espositivo. Diventa una soglia tra memoria dell’arte e pratica presente. Torino non guarda Oslo come un archivio lontano. La interroga. Chiede che cosa significhi oggi produrre immagini capaci di restare nella mente.

La lezione di Munch non è la ripetizione di un’icona. È il coraggio di tornare più volte nello stesso punto, finché l’immagine non comincia a parlare con voce propria.

Domande frequenti

Quante versioni de L’urlo ha realizzato Munch?

Le versioni principali sono quattro: due del 1893, una del 1895 e una del 1910 circa. A queste si aggiunge la litografia del 1895, che contribuì molto alla diffusione dell’immagine.

Qual è la versione più famosa de L’urlo?

La versione del 1893, realizzata con tempera, olio e pastello su cartone, è tra le più note. È conservata al National Museum di Oslo ed è quella rubata nel 1994.

Perché il cielo de L’urlo è rosso?

Il rosso può derivare da un tramonto osservato da Munch, ma è anche una scelta psicologica. Una teoria lo collega agli effetti atmosferici dell’eruzione del Krakatoa del 1883, anche se non esiste una prova definitiva.

Che cosa rappresenta davvero L’urlo?

Rappresenta un’esperienza di angoscia profonda. La figura non è solo una persona che urla. È il punto in cui paura, natura e percezione interiore si fondono.

Quando fu rubato L’urlo?

Una versione fu rubata nel 1994 dalla National Gallery di Oslo e recuperata pochi mesi dopo. Un’altra, quella del 1910 circa, fu rubata nel 2004 dal Munch Museum insieme a Madonna e recuperata nel 2006.

Il motivo per cui Munch continua a parlarci

Munch dipinse L’urlo più volte perché aveva capito che certe immagini non si esauriscono al primo tentativo. Cambiano materia, intensità, destino. Passano dal pastello alla litografia, dal museo alla cronaca, dalla storia dell’arte alla cultura popolare.

La loro forza non sta solo nella fama. Sta nella precisione con cui toccano un nervo comune. Chi guarda L’urlo non vede soltanto un volto deformato. Riconosce un momento in cui il mondo sembra troppo forte, troppo vicino, troppo rumoroso.

Per questo, nel passaggio tra Munch, Monica Nettis e uno spazio come la Tokaido Gallery, l’opera non appare come una reliquia. Appare come una domanda ancora aperta: quale forma può avere oggi ciò che non riusciamo a dire?